MFA Musique Française d'Aujourd'hui
Consulter les nouveautés du catalogue MFA Les musiciens Les labels L'écho de MFA  
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 Franck Bedrossian : Charleston
 Édith Canat de Chizy : Livre d’Heures
 El-Malek, Music from Source
 Stefano Gervasoni : Antiterra
 Gérard Grisey : Le Temps et l'écume
 Yves Robert : Inspirine
 Viret, Ferlet, Moreau : Le Temps qu‘il faut
 Adam, Chalosse, Coronado, Delbecq : Around 3 gardens
 Andreu | Tusques : Arc Voltaic
 Issam Krimi: Post Jazz
 Pascal Dusapin: Quatuors à cordes et Trio
 Pascal Dusapin: 7 Solos pour orchestre
 La Grande Forge
 Christophe Marguet: Buscando la luz
 Thomas Savy: French Suite
 Sophie Alour: opus 3
 David Chevallier: Gesualdo Variations
 Nicolas Folmer meets Bob Mintzer: Off the beaten tracks, vol.1
 Claude Tchamitchian: Another Childhood
 Jean-Christophe Cholet/Diagonal: French Touch
 Aldo Romano: Origine
 Claudia Solal/Spoonbox: Room Service
 Alain Vankenhove: Beyond Mountains
 Olivier Greif: The Battle of Agincourt
 Olivier Le Goas: Sur le corps des klaxons
 Carine Bonnefoy: Tribal
 André Minvielle: follow jon hendricks… if you can!!!
 Unit: wavin’
 Georges Aperghis.
 Karol Beffa: Masques!
 Pierre de Bethmann: Cubique
 Thierry Blondeau: "Lieu & Non-lieux"
 Sylvain Cathala / Print & Friends: "Around K"
 Matthieu Donarier: "Live Forms"
 Hugues Dufourt : "Les Météores"
 Édouard Ferlet: "Filigranes"
 Guillaume Hazebrouck: "Frasques"
 Stéphane Kerecki: "Houria"
 Mantovani/Schoeller/Amy: "Concertos du XXie siécle"
 Marguet/Kühn/Monniot/Boisseau: "émotions homogènes"
 Frédéric Norel: "Dreamseekers"
 Isabelle Olivier: "My Foolish Harp"
 Régnier / Ciné X'TET: "The Mark of Zorro"
 G.de Chassy et D.Yvinec: "Songs from the last century"
 Marc-André Dalbavie par l'Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo
 Tous Dehors: "Happy Birthday"
 Pierrick Pedron :
 Gérard Pesson: "Dispositions furtives"
 Didier Petit: "Don't Explain"
 Éric Séva: "Espaces croisés"
 Georges Aperghis: “Tingel Tangel/Jactations”
 Jean-Louis Chautemps: “Chautemps”
 François Corneloup: “Pidgin”
 Pascal Dusapin: “À quia”
 Thierry Escaich: “Chorus”
 Jean-Marie Machado: “Leve leve muito leve“
 Bernard Struber Jazztet: “Les Arômes de la mémoire”
 Tous Dehors: “Tu tousses ?”
 Trio Controverse: “Harpe bleue”
 La Campagnie des musiques à Ouïr : Ouïron-nous
 Édith Canat de Chizy : Moving
 Chassy/Yvinec : Chansons sous les bombes
 Denis Dufour : Terra Incognita
 Pascal Dusapin : Concertos
 Trois questions à Christophe Leloil
 Olivier Benoit / Circum Grand Orchestra : Le Ravissement
 Stephan Oliva : Stéréoscope
 Eric Watson : Midnight Torsion
 Surnatural Orchestra : Sans tête
 Martin Matalon : Traces
 Thierry Pécou : Symphonie du Jaguar
 Éric Le Lann : I Remember Chet
 Laurent Petitgirard : Guru
 Michaël Levinas : La Métamorphose
 Hugues Dufourt : L’Afrique d’après Tiepolo, L’Asie d’après Tiepolo
 Olivier Ker Ourio : Magic Tree
 Manu Codjia Trio : Covers
 Rockingchair : 1:1
 Laurent Cugny : La Tectonique des nuages
 Jean-Marie Machado / Danzas : Fiesta Nocturna
 Laurent de Wilde / Otisto23 : Fly!
 Édouard Bineau : Wared Quartet
 Les amants de Juliette & Majid Bekkas
 Stéphane Kerecki : Patience
 Oscar Strasnoy : Œuvres pour orchestre
 La Pieuvre & Circum Grand Orchestra : Feldspath
 Berne / Mandel / Raulin : Sati(e)rik Excentrik
 Diego Imbert / Michel Perez : Double Entente
 Daniel Zimmermann : Bone Machine
 Alexandre Herrer / Oxyd : Plasticity
 Tweedle-Dee
 Sylvain Cathala : Flow & Cycle
 Christophe Marguet : Constellation
 Franck Vaillant : Thisisatrio
 Orchestre National de Jazz / Yvinec : Piazzolla !
 Jean-Paul Céléa : Yes Ornette !
 Edward Perraud : Synaesthetic Trip
 Benoît Delbecq : Crescendo in Duke
 Émile Parisien Quartet : Chien Guêpe
 Daniel Humair : Sweet & Sour
 Sophie Alour : La géographie des rêves
 Édouard Ferlet : Think Bach
 Magic Malik : Alternate Steps
 Isabelle Olivier : Dodecasongs
 Senem Diyici / Mavi Yol Quartet: Dila Dila
 Philippe Le Baraillec : Involved
 The New Songs : A nest at the junction of paths
 Surnatural Orchestra : Pluir
 Rétroviseur : Rückspiegel
 Paris Jazz Big Band : Source(s)
 Pierre de Bethmann : Go
 Yann Robin : Vulcano, Art of Metal I, III
 Thierry Pécou : Tremendum
 Huston/Ferlet/Viret/Moreau : Le Mâle Entendu
 Hugues Dufourt : œuvres pour orchestre vol.2
 Raphaël Cendo : Furia
 Régis Huby : All Around
 Fred Pallem : Soundtrax
 Vincent Courtois : L'imprévu
 Nicolas Stephan / Sébastien Brun : Yebunna Seneserhat
 Denis Badault : H3B
 Pierre Jodlowski : Drones, Barbarismes…
 Jacques Lenot : intégrale de l'œuvre pour piano
 Thierry Lancino : Requiem
 Roy / Courtois / Tchamitchian : Amarco
 Bruno Mantovani : Concerto pour 2 altos
 Philippe Manoury : Inharmonies
 Libre Ensemble : Libre(s) ensemble
 Bernard Cavanna : Karl Koop Konzert
 Édith Canat de Chizy : Times
 Franck Bedrossian : Manifesto
 Lucien Guérinel : 24 Préludes pour Nolde
 Sabbagh / Monder / Humair : I Will Follow You
 Michel Benita : ethics
 Sixun : Palabre
 L'Effet Vapeur : Bobines Mélodies
 Alban Darche / Le Gros Cube : Polar Mood
 Francis et ses peintres : La Paloma
 François Corneloup : Next
 Raulin/Oliva : Echoes of Spring
 Santacruz/Wodrascka/Deschepper/Cappozzo : Récifs
 Thierry Pécou : L'Oiseau innumérable
 Jean-Philippe Muvien : Rebirth
 Bruno Mantovani : Le Sette Chiese
 Christophe Leloil : Echoes
 Philippe Le Baraillec : Invisible Wound
 Daniel Humair : Bonus Boom
 Olivier Benoit / Happy House : Inoxydable
 Bruno Angelini, Giovanni Falzone : If Duo, Songs volume 1
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 L'aventure Sketch. 2e épisode…
 Les Allumés du Jazz
 Cover Art, entretien avec Gianfranco Pontillo
 Le Living ouvre ses portes en ligne
 Didier Petit : Le lien, l’outil, le temps
 Triple hommage
 Marc-André Dalbavie, un art en résonance
 Jazz en France : suivez le guide !
 Thôt : large et extra
 Pierre Boulez, un jeune homme de 80 ans
 Lionel Belmondo, hymne à la foi
 Grand Prix lycéen des compositeurs 2005 :
Pascal Dusapin

 Grand Prix lycéen des compositeurs 2005 :
François Sarhan

 Grand Prix lycéen des compositeurs 2005 :
Philippe Hersant, le choix des professeurs

 L'aventure Sketch. 1er épisode…
 L'aventue Sketch, 3e épisode, l'après…
 Yves Rousseau, la plume et l’archet
 “Erewohn” de Hugues Dufourt
 Le jazz en son éternel recommencement
 Les Allumés du Jazz, n°9
 Jean-Marie Machado, lettres portugaises
 Jean-Luc Cappozzo, la pêche miraculeuse
 Bojan Z fait le pont à Brooklyn…
 Louis Sclavis a réponse à tout
 Une édition des écrits d'Hugues Dufourt
 ONJ Daniel Yvinec. Le casting
 Gérard Grisey : Ecrits ou l’invention de la musique spectrale
 3 questions à Benoît Thiebergien
 Les structures standard
 Vincent Mascart, artiste multipiste
 Temps-danse groove
 Laurence Equilbey, le chœur en solo
 Thierry Escaich, variation sur une basse obstinée
 Philippe Hersant, l'harmonie avant tout
 Serge Adam, brass electro
 Franck Ténot, celui qui aimait le jazz
 François Corneloup, la musique à l'usure
 Les Allumés du Jazz, n°10
 Les dix ans de l'Ensemble Télémaque
 Issam Krimi. Portrait d'un passionné du silence
 Olivier Greif, Chants de l'âme
 Henri Texier passe à table
 Questions & Verdict : Franck Vaillant
 Quatre questions à Daniel Yvinec
 Claudia Solal : Room Service
 Hugues Dufourt, Prix Charles Cros pour Erewohn
 “Wu Xing” de Qigang Chen, un voyage à travers la nature.
 La Lettre du Musicien donne la parole aux élèves pour le Grand Prix lycéen des compositeurs 2004
 Lionel Belmondo, une passion française
 Grand Prix lycéen des compositeurs. Proles de lycéens sur Crwth de F. Sarhan
 Stephan Oliva en six coïncidences
 Jean-Philippe Viret, la basse au centre
 Martial Solal, éloge de la surprise
 Les voix invisibles de Qigang Chen
 Henri Dutilleux, mystère de l'instant
 L'ONJ voyage en ballon
 Les lycéens parlent d'Outre-Mémoire de Thierry Pécou
 Les lycéens s'expriment sur Voire(x) de P. Leroux
 Grand Prix lycéen des compositeurs. Régis Campo, le choix des professeurs
 Grand Prix lycéen des compositeurs 2006. Connesson, choix des lycéens
 Édith Canat de Chizy témoigne, carrière artistique et enseignement
 Jean-Luc Cappozzo, « J'assume la totalité de mon histoire »
 Sylvia Versini, pianiste et arrangeuse
 Andy Emler, cinq CD pour l'île déserte
 Bojan Z, le xénophile et le xénophone
 Solistes et Chœur de Lyon-Bernard Tétu
 Pascal Dusapin poursuivi par les feux de l'opéra
 Grand Prix lycéen des compositeurs 2003
 Lucas Belvaux et Riccardo Del Fra, le principe du jazz
 Riccardo Del Fra, Éloge de l'inquiétude
 Daniel Humair, une batterie de questions
 Bruno Angelini, un portrait
 Entretien avec Thierry Pécou
 Guillaume Connesson, Et la lumière fuse
 David Chevallier, une rencontre
 Sophie Alour, saxophoniste : ma vie, mes oeuvres
 Thomas Savy, portrait
 Tweedle-Dee
 Alain Gibert, l'enfant oublié
 Michaël Levinas : La Métamorphose
 Michaël Levinas : Quand les hommes ont le cafard
 Un Pedron peut en cacher un autre
 Raulin / Oliva : le débat
 Stéphan Oliva, le ciné-fils
 Grand Prix Lycéen des Compositeurs 2015
 Löhrer, retour au Jazz
 Philippe Le Baraillec : Le retour d'un poète
 Bernard Cavanna "Grand Prix de la musique symphonique"
 Une journée d'études
 Alain Bancquart a 80 ans
 Édith Canat de Chizy récompensée par l'Académie Charles Cros 2015
 Philippe Leroux récompensé par l'Académie Charles Cros 2015
 Grand Prix Lycéen des Compositeurs 2017
 Thierry Pécou, Grand Prix SACEM 2016 de la musique symphonique (carrière)


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Louis Sclavis a réponse à tout

  p.r. par Franck Medioni  Jazz Magazine, avril 2004, n° 247 (suppl.)

Pour fêter ses 25 ans, l'Europa Jazz du Mans offre au clarinettiste-saxophoniste  Louis Sclavis non pas un concert mais toute une série de rencontres, duos et dialogues avec les plus grands improvisateurs européens. Au total, 25 rendez-vous aux formules variées, dans 25 lieux différents, sorte de résidence itinérante.  Jazz Magazine s'en est fait l'écho – et ici MFA – en proposant à ses musiciens amis et/ou partenaires réguliers, artistes à qui il a associé son travail ou qui l'ont inspiré et hommes de radio de concocter chacun pour lui une question.

Pour fêter ses 25 ans, l'Europa Jazz du Mans offre au clarinettiste-saxophoniste  Louis Sclavis non pas un concert mais toute une série de rencontres, duos et dialogues avec les plus grands improvisateurs européens. Au total, 25 rendez-vous aux formules variées, dans 25 lieux différents, sorte de résidence itinérante.  Jazz Magazine s'en est fait l'écho – et ici MFA – en proposant à ses musiciens amis et/ou partenaires réguliers, artistes à qui il a associé son travail ou qui l'ont inspiré et hommes de radio de concocter chacun pour lui une question.

Jacques Bonnafé : Une question ? Pas question. Il me semble que Louis ne fait que poser des réponses... musicales. En avançant vers des textes où musiquer,je l'ai surpris les pieds dans un poème avant que nous n'ayons terminé l'échange. Louis est d'une complète solitude, j'ai l'impression. Satisfaite et qui ne peut se passer des autres. Il vit de complicité, attire l'écoute. J'entends dans son souffle solo et dès la première « prise de bec », la présence entraînante et l'écho de partenaires. C'est en cela que sa musicalité est sidérante, pour l'invisible écho + joie intarissable. Donc (soit), à défaut de te demander à quoi tu penses le matin quand tu te rases ou avec quoi tu te rases quand tu penses, et quand tu ne penses pas, si tu te rases etc., je te sors la question de la solitude de l'artiste, et lourdement chuchotée, la question bonus des secrets de la fabrique... pour la joie... les secrets de la fabrique à donner de la joie. Être très seul ou très entouré, au fond ?
Louis Sclavis : La meilleure façon de supporter sa solitude, de la vivre ou d'en profiter, c'est de la partager avec les autres. Effectivement, la solitude est quelque chose qui fait partie de moi. Ce n'est ni volontaire ni involontaire, ni satisfaisant ni insatisfaisant. Oui, la solitude est intéressante, supportable, vivable si tu la partages, donc avec les autres. Être ensemble, c'est mon idée de nomadisme dans un territoire qui se définit au fur et à mesure. Ce territoire est défini au départ, mais tu le découvres. Il est balisé par les gens que tu as rencontrés avant, avec lesquels tu travailles aujourd'hui et ceux que tu rencontreras. Il y a donc des balises que tu ignores encore, mais tu as un territoire. Tu y voyages de façon nomade, mais c'est un territoire défini, jalonné de ce que j'appellerais des lieux. Les lieux, ce sont les gens avec qui tu crées. Il y a des lieux que tu crées, que tu inventes, par lesquels parfois tu repasses ou que tu oublies, et puis il y en a où tu t'arrêtes de façon plus importante jusqu'à créer une demeure, un village. Un village, pas une famille ni une tribu ! Un village, tu y entres, tu en sors, une demeure, tu y accueilles, tu y invites tandis que la tribu et la famille, c'est clos, c'est tout ce que je ne veux pas !
L'orchestre
Napoli's Walls, c'est justement ce que j'appelle une demeure. C'était un lieu, défini par quatre personnes, Vincent Courtois, Hasse Poulsen, Médéric Collignon et moi, et un projet musical. Cela devient un endroit où on commence à s'installer. On a défini un périmètre, puis on creuse, on creuse. Après la demeure, cela devient un village en faisant des expériences avec d'autres musiciens qui viennent pour certaines occasions se greffer pour amplifier. J'aime la notion de village. À partir de quel moment un lieu, c'est-à-dire un travail avec des gens, devient un village ? Il y a différents stades. Est-ce qu'on creuse ? Le territoire n'est pas infini. Cela me fait penser à ce que dit Deleuze à propos de l'amplitude de l'âme, en parlant de Leibniz : l'amplitude de l'âme, elle se gagne sur les autres parce qu'il y en a d'autres qui vont la réduire. Il parle des damnés, disant qu'ils ont une amplitude de l'âme tellement petite qu'ils laissent de la place aux autres. Je dirais qu'on a des territoires qui ne sont pas infinis, mais qu'on ne connaît pas complètement, qu'on apprend à découvrir au fur et à mesure des déambulations. Peut-être que la meilleure façon de rencontrer les gens, c'est aussi de savoir être seul par moments. Ce qu'a écrit Jacques Bonnaffé, c'est presque un portrait, un portrait où le trait est juste.

Méderic Collignon : Je te sais généreux. Tu donnes beaucoup, beaucoup de musique, d'espace musical, en particulier aux jeunes musiciens. Plus aujourd'hui qu'hier ?
Louis Sclavis : Plus on vieillit, plus on travaille avec des jeunes. Pendant un temps, j'ai travaillé avec des gens plus âgés. Après, j'ai travaillé avec des gens à peu près de ma génération. Maintenant, je travaille avec des jeunes... Peu à peu, tu apprends à apprendre. Quand tu es jeune, tu donnes, tu donnes, tu donnes, tu aimes que les gens te prennent des choses. Au bout d'un moment, ça s'inverse, tu aimes bien aller voler, prendre aux autres – dans la mesure où il y a partage, tu ne viens pas les mains vides. Tu apprends à creuser chez quelqu'un, tu apprends à profiter des autres à faire profiter la musique de ce que tu peux trouver chez les gens. C'est un apprentissage que tu as fait dans un sens puis que tu restitues. C'est pour cela qu'on ne peut évacuer, au bout d'un moment, le problème de la transmission. Je crois que ça fait partie de la vie d'un artiste, à un moment donné, d'une façon ou d'une autre, par un biais ou un autre, de savoir transmettre.

François Corneloup  : Comment appréhendes-tu la notion de « modernité » dans ton travail ?
Louis Sclavis : J'essaye d'écouter ce qui se fait dans tous les domaines, musique, arts plastiques ou cinéma, j'essaye de savoir ce qui se passe. Forcément, cela peut me donner des idées. Le souci de la modernité, c'est travailler avec de jeunes musiciens qui ont une approche, une façon d'aborder la musique un peu différente, donc nouvelle. J'essaye de profiter de leur façon de voir et de travailler pour partager et apprendre. Un rappeur, par exemple, ne travaille pas pareil, il y a des choses à prendre dans sa façon de travailler. Par rapport à mon fonctionnement, cela me bouscule. Convoquer des gens qui ont une autre façon de fabriquer de la musique permet de découvrir de nouveaux plaisirs, d'alimenter l'envie d'inventer. Travailler avec un comédien, par exemple, m'oblige à penser la musique autrement. C'est dans le fonctionnement qu'il y a de la modernité, pas dans l'apparence. Il y a de la modernité apparente dans tout ce qu'on entend, il y en a peu qui soient des modernités de comportement.

Vincent Courtois : À quelle question aurais-tu envie de répondre ?
Louis Sclavis : Il y a des questions belles, touchantes, qui t'aident à cerner ce que tu fais. Récemment, j'ai répondu à des questions dans un collège. Deux adolescentes avaient préparé des questions très sensibles, très sensées, comme "Est-ce que vous buvez la vie ou est-ce que vous la distillez ?", qui fait toucher du doigt ce qu'est le travail d'un artiste. Notre travail consiste à faire cet alambic, l'alambic c'est soi-même ou c'est l'orchestre. On y met plein de choses, on ne sait pas trop ce que c'est, mais à la fin, il faut qu'il sorte une essence de quelque chose. Si ce n'est pas essentiel, ça n'a pas d'intérêt. Je n'ai pas le sentiment de boire la vie, mais la distiller, oui... Autre question des deux filles : "Si vous tombez en admiration devant un lampadaire, que vous dit votre oreille droite ?" C'est absurde, mais si tu essayes de répondre, tu t'aperçois au bout d'un moment que tu peux dire quelque chose à quoi tu n'aurais jamais pensé. Autre question : "Dites deux mots qui vous viennent à l'esprit." J'ai répondu "douceur" et "sensible".

Pablo Cueco : Par la qualité de ton travail et le nombre de concerts auxquels tu participes, tu es sans doute « ambassadeur de fait » du jazz contemporain français, au niveau international et auprès des publics non spécialistes. Intègres-tu cette charge dans tes préoccupations et comment définirais-tu, si elle existe, la spécificité du jazz contemporain français, s'il existe ?
Louis Sclavis :
Ce qui m'intéresse à ce propos, c'est le public néophyte. Je n'ai pas envie qu'il se sente exclu, parce que je suis moi-même néophyte. Ne pas se sentir exclu, c'est une histoire de comportement et d'envie, il ne s'agit pas de se mettre « au niveau de ». Quand je suis néophyte dans un domaine, je n'ai pas envie qu'on me propose quelque chose au rabais ou « plus facile ». C'est la façon dont on te parle qui est importante. Quand tu écoutes parler Deleuze, même si parfois il manie des concepts qui te semblent incompréhensibles, il te parle en te donnant le droit de comprendre ou de ne pas comprendre, mais il ne t'exclut pas, qui que tu sois. Cela ne veut pas dire pour autant que je pense une musique en fonction de ça, mais j'ai envie de partager la musique avec le plus de gens possible. Bien sûr, il y a un désir de plaire, et surtout de leur faire entendre : "Venez, écoutez". Une fois qu'ils sont là, si tu as envie d'être avec eux, il n'y a jamais de problème de communication, de compréhension. L'important, c'est l'envie de le faire, que ça se passe.
Un des échecs de la musique contemporaine, à une époque, a été, pas la musique elle-même, pas la forme, mais ce qui l'entourait, un cérémonial qui venait de la musique classique et continuait de planer sur les représentations. Je n'ai pas envie de faire cette erreur. Eux peuvent se le permettre, ils ont les moyens de se permettre de ne toucher personne, nous non. J'aime cette obligation. Il n'y a pas vraiment de jazz français. L'autre jour, j'écoutais sur France Culture quelqu'un qui expliquait ce que c'était que la musique française par la couleur. Il disait que chez Rameau, il y a la couleur, chez Ravel et Debussy aussi. Je me demande s'il n'y a pas un peu de ça chez les gens avec qui je travaille, ce que font Portal, Texier. Il y a peut-être cette spécificité dans un certain nombre d'orchestres français, ce qu'on ne trouve pas dans les orchestres allemands ou anglais, qui n'ont pas ce même souci de la couleur. Ce qui se passe en France, c'est difficile à définir. Il se passe tant de choses différentes dans tous les coins...

André Francis : Quels sont les deux ou trois artistes phares sur lesquels tu focalises en jazz, musique classique, arts plastiques, cinéma et littérature (ou poésie) ?
Louis Sclavis : Ce sont des phares momentanés, des phares qui n'arrêtent pas de changer de place, des phares pour faire naufrage... Ce sont plutôt des lucioles, qui s'éteignent vite et se rallument ailleurs. Je n'ai jamais eu un guide, un artiste qui me fascine au point que je reporte tout dessus, qui serait comme un maître. J'envie les gens qui, à un moment, ont un point fixe vers lequel ils se dirigent. Cela fait envie et, en même temps, ça fout un peu la trouille parce qu'on se dit qu'une fois arrivé là, qu'est-ce qu'on fait ?

Daniel Humair : L'opportunité de composer pour le cinéma et donc de coller de la musique sur des images figuratives et sur des séquences d'une durée précise a-t-elle changé ou influencé ton concept de musique de concert ?
Louis Sclavis : Le développement de la musique au cinéma est lié à la longueur des scènes ou mille autres contraintes et une satisfaction : faire plaisir au réalisateur. En concert, le temps nous appartient. J'aimerais écrire, j'écrirais une pièce de théâtre ou plutôt une pièce radiophonique, juste un épisode des Maîtres du mystère.

Alain Gibert  : Histoire ou géographie ?
Louis Sclavis : Tu écris et composes des chansons, et je remarque que, quand histoire et géographie sont indissociables, fondues ensemble pour faire un même objet, c'est la chanson. Toutes les chasons, du « Voyage d'Ulysse » à « Alexandrie Alexandra », du « Temps des cerises » au « Port d'Amsterdam », parlent d'histoire et de géographie. Si je n'écris pas de chansons, c'est qu'il me manque ma géographie (terrestre s'entend). J'aime la géopolitique, c'est peut-être pour ça que j'ai la velléité d'écrire une opérette.

Sylvain Kassap : Et l'Arfi dans tout ça ?
Louis Sclavis : L'
Arfi
a fait partie de mes débuts, j'y ai appris la musique. L'Arfi a été un outil, un bel outil, on a construit un lieu, des demeures, un village. Et puis, quand cela devient tribu ou famille, c'est ce que je disais précédemment, je n'ai plus envie, je préfère partir. L'Arfi est un outil formidable, tant qu'on s'y sent bien et qu'on en a besoin, il faut continuer. À un moment, j'ai eu besoin d'un autre outil. Tous les groupes de l'Arfi étaient des collectifs, j'ai eu besoin de monter un groupe sous mon nom, un orchestre dont je sois chef et où j'ai le droit de dire : "Nous ne sommes pas en démocratie", ce que je ne pouvais pas faire dans le cadre de l'Arfi, ça ne correspondait pas à la philosophie globale des orchestres qui étaient des ensembles cogérés.

François Jeanneau : Au début des années 1980, nous avons participé au Brotherhood of Breath de Chris McGregor. C'était probablement ta première expérience au sein d'un orchestre international, spécialement sud-africain. Qu'en as-tu retiré ? Quelles différences d'expérience avec le « trio africain » ?
Louis Sclavis : J'ai connu dans cet orchestre des musiciens avec lesquels j'ai travaillé par la suite d'autres façons de jouer la musique, et toute l'humanité de Chris McGregor. J'ai regretté qu'il n'y ait pas dans la section de saxes un ancien du Brotherhood pour nous transmettre la façon particulière de jouer cette musique et faire le pont avec l'ancien groupe, comme c'était le cas dans la section de cuivres. La différence avec le trio RST dit « trio africain », c'est que ce trio n'a pas d'histoire antérieure et que si Afrique il y a, elle est un survol et non une vie comme c'était le cas pour Chris et l'orchestre d'origine.

Ramon Lopez : Quelles musiques écoutes-tu pour te nourrir ?
Louis Sclavis : Est-ce que je me nourris ? Je picore, j'écoute la radio, France Culture, France Musiques et les autres, je jongle avec les stations. Je me nourris de beaucoup de choses qui passent, je ne m'y arrête pas forcément longtemps. Il y a des musiciens qui se mettent à « creuser » un musicien particulier, qui vont jusqu'à transcrire ce qu'il a fait. Cela me fait envie. Si j'avais besoin de me nourrir d'une musique, il faudrait que je l'étudie. J'ai eu envie de le faire avec mon ami Patrick Moutal qui donne des cours de musique indienne au CNSM de Paris : passer du temps à apprendre juste une mélodie indienne pour vraiment savoir la jouer... Pour l'instant, je ne suis pas nourri d'une musique particulière, mais j'ai l'envie (j'espère que ce n'est pas un vœu pieux) de m'arrêter, un jour, sur une petite musique, l'apprendre et voir ce qui se passe.

Guy Le Querrec : Extrait d'une conversation de 1981 : "Il y a pour nous musiciens un décalage au niveau du temps fort entre le musicien et le spectateur dans l'improvisation. Souvent, pour nous, le temps fort n'est pas quand cela aboutit, mais les moments de doute, où ça flotte, où ça attend." Qu'en est-il aujourd'hui ?
Louis Sclavis : Il y a des moments chaotiques, indéfinis, où rien n'est convaincant, mais où il se passe beaucoup de choses, beaucoup de musique. Comment les formaliser, aller plus loin dans la maîtrise de ces moments ? Comment rendre le doute évident ?

Bernard Lubat : Quand nous jouons ensemble à ce jeu (gratuit ou désintéressé – payant ou dangereux) qu'est l'art de l'improvisation musicienne absolue, qu'en penses-tu? Et surtout, quand deviens-tu ou pas ?
Louis Sclavis : Avec Lubat, j'ai vingt ans de pratique musicale. Plus on joue ensemble, plus on a la trouille, parce qu'on n'a pas envie de sortir nos béquilles, nos appuis qu'on connaît par cœur. On sait comment s'en sortir, et on se met dans une situation où on ne peut pas s'en sortir avec ces outils-là. Il y a une recherche de sincérité dans la musique qu'on est en train de faire tous deux qui se ressent nettement dans notre dernier concert. Il a été filmé, on ne bronche pas pendant une heure, il n'y en a pas un qui lâche son instrument. On n'ose même pas se regarder, on essaye de ne pas s'en sortir avec notre acquis, mais de creuser le vécu. C'est là où on a un lieu, qui existe depuis longtemps et qu'on visite régulièrement, qu'on creuse. Plus on creuse, plus il devient étroit. On essaye d'aller le plus profond possible.
Donc je deviens au moment où, d'un seul coup, il n'y a plus de solution, il n'y a qu'un problème, pour répondre « à la Lubat ». Ce qui est intéressant quand on est ensemble c'est quand, justement, on a plein de solutions. Et c'est quand on les a toutes éliminées qu'il n'y a plus qu'un problème. On s'est trouvé un os à ronger, on a enfin trouvé le problème en évacuant les questions. On le sent à un moment précis, presque matériellement. Ce problème, on ne le résout jamais, mais on l'a trouvé. Qu'est-ce qu'on fait ensemble ? Si on ne se pose pas la question après vingt ans de rapports musicaux, c'est grave. On est ensemble parce qu'on a ce problème à résoudre. Donc je deviens le problème, et lui aussi. C'est inévitable, il ne faut pas l'éviter. Je continue à faire des jeux de mots « à la Lubat » : il ne faut pas non plus léviter, c'est-à-dire qu'il ne faut pas planer, mais mettre tous les deux les mains dans le cambouis... Il y a vingt ans, on allait faire un duo n'importe où et ce n'était pas grave, c'était moins risqué. Plus on le fait, plus on se dit que c'est important. Il ne s'agit pas que de réussir un concert : il s'agit de réussir la convocation. Et ce n'est certainement pas en essayant de s'en sortir.

André Minvielle : Quels rapports travailles-tu avec le territoire en général et Uzeste et la Compagnie Lubat dé jazzcohna (prononcer les lettres pour Lubat) en particulier ?
Louis Sclavis :
À Uzeste j'ai découvert de nouvelles sensations, des doutes et des envies nouvelles. Beaucoup de gens que je connais, je les ai rencontrés là, notamment Portal et Pignon-Ernest. Finalement, je ne vais pas aborder Uzeste comme un lieu géographique mais plutôt un lieu imaginé, réel, mais défini autrement que par la géographie puisque les gens qui y sont passés ou vont y passer sont le festival d'Uzeste. Il est plus défini pour moi par les moments, les réflexions, les réussites et les échecs. La réussite d'Uzeste, ce n'est pas le festival. Ç'a été un des premiers festivals à donner l'idée qu'on pouvait faire de la musique d'une certaine manière. Beaucoup de festivals se sont créés ensuite en utilisant cet état d'esprit, la déambulation musicale, le comportement. Ce n'est pas Antibes Juan-les-Pins ! La réussite d'Uzeste, elle est hors d'Uzeste.

Ernest Pignon-Ernest : Lorsque tu m'as parlé de ton projet de travailler sur les images que j'ai réalisées à Naples, je t'ai proposé tous mes disques, de Gesualdo à « Sole mio ». Tu les as refusés et ne m'en as demandé que les photos. Napoli's Walls m'a ému et surpris : ta musique est en résonance si profonde avec ce que j'ai fait là-bas, je m'interroge, je t'interroge sur cette alchimie. Peux-tu dire par quelle étape tu passes ? Par l'écriture? Par des notes graphiques ? Par d'autres repères ? Ou cela s'élabore-t-il directement sur l'instrument ? Et l'essentiel naît-il d'une improvisation sensible et spontanée face aux images ou d'un processus progressif élaboré ?
Louis Sclavis : Je suis parti principalement, et pour presque toutes les compositions, du physique. Chaque image choisie m'a donné un mouvement précis comme courir, ramper, déambuler, danser, etc. Ces mouvements m'ont orienté sur des moteurs ou pulsations, des mélanges de sons. Sont alors sorties des émotions que j'ai traduites par des mélodies, des rythmes, parfois un scénario. J'ai beaucoup pensé à la personnalité de chaque musicien et quel rôle, dans un sens presque théâtral, lui donner. En répétition et en concert, l'orchestre a développé, enrichi, « arrangé » ces propositions. Si j'ai voulu composer une musique entièrement consacrée à ton travail, c'est que je m'étais déjà aperçu qu'il me donnait des sensations physiques immédiates, précises, que je pouvais rapidement traduire. C'est la première fois que je réalise un projet avec autant de simplicité, voire de facilité, et une méthode qui, a posteriori, me semble aussi claire. J'ai lu ton œuvre sur Naples comme un livret d'opéra avec ses personnages, ses décors, ses drames.

Jean-Marc Padovani : Dolphy avait dit : "Je ne crois pas indispensable de chercher pour trouver." Que penses-tu de ce rapport de plus en plus « tendu » (en particulier chez les jeunes musiciens) entre technique et émotion ? Ne devrait-on pas se poser plus souvent la question de « ce que l'on a à dire » au lieu de « comment le dire » ?
Louis Sclavis : C'est une tarte à la crème de dire "Je ne cherche pas, je trouve". L'intérêt n'est pas de chercher, c'est bien de trouver. Il ne faut pas magnifier la recherche pour la recherche. Il y a aussi des choses que tu sors comme ça, elles sont là, en toi, elles sont déjà trouvées. Quand je parle de territoire défini à l'avance, c'est que tout est déjà trouvé, il ne faut pas chercher, il faut découvrir. Il est là quelque part, mais il n'est pas éclairé.

Hasse Poulsen : Pourrais-tu décrire l'espace et peut-être les conflits entre tes désirs artistiques et les demandes/réalités du monde commercial du jazz ?
Louis Sclavis : Quand on est jazzman, chef d'orchestre, il faut faire des produits qui se vendent – si on ne les vend pas, on n'en vit pas. Vendre, c'est tenir compte d'une réalité. C'est difficile, il faut arriver à proposer des choses qui aient un emballage séduisant. Aujourd'hui, on t'achète beaucoup sur l'emballage, un casting particulier, une idée d'hommage à je ne sais qui. Tu peux t'y mettre à fond, mais s'il n'y a pas plus que ça, ça te retombe sur la gueule, et heureusement. En même temps, tu peux monter quelque chose en quoi tu crois, travailler dessus six mois et personne n'en veut. Au bout d'un moment, ça n'existe plus. Tu ne peux pas en vivre, ou tu décides d'être musicien amateur, ce qui n'est pas une mauvaise solution – pourquoi Gesualdo a-t-il réussi à pousser son esthétique aussi loin ? Il était riche et n'avait pas à vendre sa musique, il faisait ce qu'il voulait. Mais même si tu as d'autres revenus, il faut trouver des endroits où jouer... Dans un monde où il y a énormément de choses sur le marché, il faut définir quelque chose d'un peu précis pour les gens qui achètent. Je me suis aperçu que lorsque c'était mal défini, c'est qu'il y avait un problème dans la musique. Il faut se forcer à définir ce que tu fais, se demander c'est quoi l'emballage (un terme qui n'est pas péjoratif pour moi), c'est quoi l'image. C'est un aller-retour entre ton travail et la précision, comme la précision d'une pensée. Il ne faut pas voir l'image que tu proposes comme un vulgaire emballage, du vernis qui brille pour qu'on t'achète coûte que coûte. Il ne faut surtout pas vendre quelque chose de frelaté ou de faux qui ne corresponde pas à ce que tu proposes.

Fred Pallem : Est-ce que je me trompe quand je dis que tes réponses se trouvent déjà dans ta musique ?
Louis Sclavis : L'historien Georges Duby a dit : "L'Art n'explique pas une époque, il lui répond." Et comme tout autre artiste, je réponds à mon époque. Plus personnellement, j'essaye de répondre à mes désirs, mes plaisirs, mais à aucune interrogation extérieure. L'auditeur seul décide de ce qu'il y a comme interrogations ou réponses dans l'art, et elles sont différentes pour chacun.

Michel Portal  : Et demain, quelles musiques ?
Louis Sclavis : Simplement demain avec qui ? Dans quel contexte ? Du contexte naît la forme.

Bernard Struber : Comment pourrais-tu définir l'intégrisme en musique ?
Louis Sclavis :
Ce n'est pas qu'une question d'être moderne ou pas. Il y a des intégristes réactionnaires et des intégristes progressistes. Ce qui est dangereux dans l'intégrisme religieux, c'est qu'il s'introduit dans la société, cherche un pouvoir politique. Dans l'art, il n'y a jamais de morts... Si cela crée des guerres d'écoles, ce n'est pas inintéressant s'il y a discussion, s'il y a dialectique. Dans la marche de l'art, il n'est peut-être pas inintéressant qu'il y ait un intégrisme de temps en temps, mais un intégrisme avec lequel on puisse s'engueuler, qui soit en face, pas insidieux.

Henri Texier  : Au fait, pourquoi la clarinette ? Et la clarinette basse ?
Louis Sclavis : Il y avait cet instrument à l'école de musique où on m'a inscrit. Ç'aurait pu être un autre instrument... Puis il y eu le soprano et, brièvement, heureusement, l'alto. La clarinette basse est venue plus tard, j'avais 20 ans. J'ai un souvenir très fort de ma première rencontre avec l'objet clarinette, à l'âge de 5 ans, de ce vieux clarinettiste... Maintenant, je me dis que peut-être, à la fin de ma vie, je me retrouverai sur un marché, assis sur une chaise en paille, en train de jouer à la clarinette de façon improbable des thèmes qui me seraient restés un peu en mémoire, dans les doigts. Et puis il y aura un petit garçon qui passera avec sa mère... Etc.

Gianluigi Trovesi  : À ma connaissance, tu n'as pas écrit pour grand orchestre. As-tu l'intention, dans un avenir plus ou moins proche, de composer pour grande formation ?
Louis Sclavis : J'ai travaillé avec des grands ensembles, notamment avec Bernard Struber qui a orchestré des compositions que j'avais écrites pour trio ou quartette. Le grand orchestre, ce n'est pas mon outil. Je suis attaché aux gens, aux individus, je ne trouve rien dans la masse. J'ai trop de plaisir à des rapports très intimes avec les musiciens. Le partage sur scène est une intimité qui me plaît, je n'ai pas besoin de plus. En revanche, plutôt que le big band, ce que j'aime c'est être nombreux. D'où l'idée avec Napoli's Wall de former un groupe qui s'appellerait Big Napoli, en ajoutant des gens que je rencontre ces derniers temps. Il s'agit de penser une musique pour beaucoup de gens, mais jamais dans l'idée d'arrangement, d'écriture. Plutôt : qu'est-ce qu'on fait tous ensemble ? Je n'ai pas le fantasme du big band, de l'écriture importante. Pour moi, l'écriture est un petit outil, pas une fin en soi. À l'inverse, j'aime le solo, mais à dose homéopathique – un solo qui dure 45 minutes, ça va, après c'est une psychanalyse. Je préfère la solitude à deux. On en revient à la première question.

Armand Meignan : Qu'est-ce qui t'a fait accepter une telle gageure ? L'aurais-tu acceptée dans un autre lieu ?
Louis Sclavis : J'ai toujours rêvé de jouer dans On achève bien les chevaux . J'aurais peut-être préféré le « rural tour » habituel, plus court, mais faire ces vingt concerts plus cinq autres rencontres ou conférences pour arriver à vingt-cinq interventions, ça devient autre chose. Une sorte de résidence d'artiste comme il en existe beaucoup d'autres. C'est d'ailleurs la première fois que j'ai une résidence, alors pourquoi ne pas essayer ? À une certaine époque, il était fréquent qu'un musicien fasse un mois dans un club, voire plus. Je n'ai jamais fait vingt concerts à la suite, encore moins avec vingt formules différentes dans vingt lieux différents. J'aborde donc cette aventure avec un peu d'appréhension.
J'aurais accepté cette proposition de tout organisateur en qui j'ai confiance, pour qui il y a un réel sens à monter un tel projet et qui peut le faire avec sérieux. Depuis longtemps, je pense que l'avenir de l'art vivant (spécialement de la musique qui requiert des moyens réduits) passe en partie par des concerts en milieu rural et les regroupements intercommunaux. Aller où les gens vivent, profiter des lieux particuliers, collaborer avec les associations, adapter les projets aux différents contextes. Beaucoup de festivals l'ont compris et chaque fois que je suis inscrit dans une telle initiative, j'ai le sentiment d'être au plus près d'une des fonctions du musicien : participer au lien social et parfois aussi le créer.

Un ange : Et le spirituel ?
Louis Sclavis :
J'aimerais le situer dans la musique. Comment l'aborder ? Peut-être en jouant toujours le même programme, voire le même morceau avec le même groupe ; devenir ethnique. Est-ce que le fait de toujours vouloir changer nous en éloigne ? On peut parfois l'effleurer avec le trio Romano-Sclavis-Texier, à force de... Je l'aperçois dans les duos « obstinés », peu fréquents mais réguliers, avec Jean-Pierre Drouet, Bernard Lubat, Michel Portal. L'acquis y est sûr mais indicible, tout est là et pourtant tout est à refaire à chaque fois. Après toutes ces années ici ou là, ensemble, un esprit se dessine. Du blanc, des pas dans la neige.

Un diable : Et la colère ?
Louis Sclavis :
Pour composer, mon moteur essentiel est la colère. Je dois parfois la provoquer pour trouver quelque chose. Une colère sourde, qu'il faut amplifier, lui faire percuter une idée musicale pour mettre cette dernière en mouvement. Du noir, le charbon de ma locomotive.


 

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