MFA Musique Française d'Aujourd'hui
Consulter les nouveautés du catalogue MFA Les musiciens Les labels L'écho de MFA  
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 Franck Bedrossian : Charleston
 Édith Canat de Chizy : Livre d’Heures
 El-Malek, Music from Source
 Stefano Gervasoni : Antiterra
 Gérard Grisey : Le Temps et l'écume
 Yves Robert : Inspirine
 Viret, Ferlet, Moreau : Le Temps qu‘il faut
 Adam, Chalosse, Coronado, Delbecq : Around 3 gardens
 Andreu | Tusques : Arc Voltaic
 Issam Krimi: Post Jazz
 Pascal Dusapin: Quatuors à cordes et Trio
 Pascal Dusapin: 7 Solos pour orchestre
 La Grande Forge
 Christophe Marguet: Buscando la luz
 Thomas Savy: French Suite
 Sophie Alour: opus 3
 David Chevallier: Gesualdo Variations
 Nicolas Folmer meets Bob Mintzer: Off the beaten tracks, vol.1
 Claude Tchamitchian: Another Childhood
 Jean-Christophe Cholet/Diagonal: French Touch
 Aldo Romano: Origine
 Claudia Solal/Spoonbox: Room Service
 Alain Vankenhove: Beyond Mountains
 Olivier Greif: The Battle of Agincourt
 Olivier Le Goas: Sur le corps des klaxons
 Carine Bonnefoy: Tribal
 André Minvielle: follow jon hendricks… if you can!!!
 Unit: wavin’
 Georges Aperghis.
 Karol Beffa: Masques!
 Pierre de Bethmann: Cubique
 Thierry Blondeau: "Lieu & Non-lieux"
 Sylvain Cathala / Print & Friends: "Around K"
 Matthieu Donarier: "Live Forms"
 Hugues Dufourt : "Les Météores"
 Édouard Ferlet: "Filigranes"
 Guillaume Hazebrouck: "Frasques"
 Stéphane Kerecki: "Houria"
 Mantovani/Schoeller/Amy: "Concertos du XXie siécle"
 Marguet/Kühn/Monniot/Boisseau: "émotions homogènes"
 Frédéric Norel: "Dreamseekers"
 Isabelle Olivier: "My Foolish Harp"
 Régnier / Ciné X'TET: "The Mark of Zorro"
 G.de Chassy et D.Yvinec: "Songs from the last century"
 Marc-André Dalbavie par l'Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo
 Tous Dehors: "Happy Birthday"
 Pierrick Pedron :
 Gérard Pesson: "Dispositions furtives"
 Didier Petit: "Don't Explain"
 Éric Séva: "Espaces croisés"
 Georges Aperghis: “Tingel Tangel/Jactations”
 Jean-Louis Chautemps: “Chautemps”
 François Corneloup: “Pidgin”
 Pascal Dusapin: “À quia”
 Thierry Escaich: “Chorus”
 Jean-Marie Machado: “Leve leve muito leve“
 Bernard Struber Jazztet: “Les Arômes de la mémoire”
 Tous Dehors: “Tu tousses ?”
 Trio Controverse: “Harpe bleue”
 La Campagnie des musiques à Ouïr : Ouïron-nous
 Édith Canat de Chizy : Moving
 Chassy/Yvinec : Chansons sous les bombes
 Denis Dufour : Terra Incognita
 Pascal Dusapin : Concertos
 Trois questions à Christophe Leloil
 Olivier Benoit / Circum Grand Orchestra : Le Ravissement
 Stephan Oliva : Stéréoscope
 Eric Watson : Midnight Torsion
 Surnatural Orchestra : Sans tête
 Martin Matalon : Traces
 Thierry Pécou : Symphonie du Jaguar
 Éric Le Lann : I Remember Chet
 Laurent Petitgirard : Guru
 Michaël Levinas : La Métamorphose
 Hugues Dufourt : L’Afrique d’après Tiepolo, L’Asie d’après Tiepolo
 Olivier Ker Ourio : Magic Tree
 Manu Codjia Trio : Covers
 Rockingchair : 1:1
 Laurent Cugny : La Tectonique des nuages
 Jean-Marie Machado / Danzas : Fiesta Nocturna
 Laurent de Wilde / Otisto23 : Fly!
 Édouard Bineau : Wared Quartet
 Les amants de Juliette & Majid Bekkas
 Stéphane Kerecki : Patience
 Oscar Strasnoy : Œuvres pour orchestre
 La Pieuvre & Circum Grand Orchestra : Feldspath
 Berne / Mandel / Raulin : Sati(e)rik Excentrik
 Diego Imbert / Michel Perez : Double Entente
 Daniel Zimmermann : Bone Machine
 Alexandre Herrer / Oxyd : Plasticity
 Tweedle-Dee
 Sylvain Cathala : Flow & Cycle
 Christophe Marguet : Constellation
 Franck Vaillant : Thisisatrio
 Orchestre National de Jazz / Yvinec : Piazzolla !
 Jean-Paul Céléa : Yes Ornette !
 Edward Perraud : Synaesthetic Trip
 Benoît Delbecq : Crescendo in Duke
 Émile Parisien Quartet : Chien Guêpe
 Daniel Humair : Sweet & Sour
 Sophie Alour : La géographie des rêves
 Édouard Ferlet : Think Bach
 Magic Malik : Alternate Steps
 Isabelle Olivier : Dodecasongs
 Senem Diyici / Mavi Yol Quartet: Dila Dila
 Philippe Le Baraillec : Involved
 The New Songs : A nest at the junction of paths
 Surnatural Orchestra : Pluir
 Rétroviseur : Rückspiegel
 Paris Jazz Big Band : Source(s)
 Pierre de Bethmann : Go
 Yann Robin : Vulcano, Art of Metal I, III
 Thierry Pécou : Tremendum
 Huston/Ferlet/Viret/Moreau : Le Mâle Entendu
 Hugues Dufourt : œuvres pour orchestre vol.2
 Raphaël Cendo : Furia
 Régis Huby : All Around
 Fred Pallem : Soundtrax
 Vincent Courtois : L'imprévu
 Nicolas Stephan / Sébastien Brun : Yebunna Seneserhat
 Denis Badault : H3B
 Pierre Jodlowski : Drones, Barbarismes…
 Jacques Lenot : intégrale de l'œuvre pour piano
 Thierry Lancino : Requiem
 Roy / Courtois / Tchamitchian : Amarco
 Bruno Mantovani : Concerto pour 2 altos
 Philippe Manoury : Inharmonies
 Libre Ensemble : Libre(s) ensemble
 Bernard Cavanna : Karl Koop Konzert
 Édith Canat de Chizy : Times
 Franck Bedrossian : Manifesto
 Lucien Guérinel : 24 Préludes pour Nolde
 Sabbagh / Monder / Humair : I Will Follow You
 Michel Benita : ethics
 Sixun : Palabre
 L'Effet Vapeur : Bobines Mélodies
 Alban Darche / Le Gros Cube : Polar Mood
 Francis et ses peintres : La Paloma
 François Corneloup : Next
 Raulin/Oliva : Echoes of Spring
 Santacruz/Wodrascka/Deschepper/Cappozzo : Récifs
 Thierry Pécou : L'Oiseau innumérable
 Jean-Philippe Muvien : Rebirth
 Bruno Mantovani : Le Sette Chiese
 Christophe Leloil : Echoes
 Philippe Le Baraillec : Invisible Wound
 Daniel Humair : Bonus Boom
 Olivier Benoit / Happy House : Inoxydable
 Bruno Angelini, Giovanni Falzone : If Duo, Songs volume 1
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 L'aventure Sketch. 2e épisode…
 Les Allumés du Jazz
 Cover Art, entretien avec Gianfranco Pontillo
 Le Living ouvre ses portes en ligne
 Didier Petit : Le lien, l’outil, le temps
 Triple hommage
 Marc-André Dalbavie, un art en résonance
 Jazz en France : suivez le guide !
 Thôt : large et extra
 Pierre Boulez, un jeune homme de 80 ans
 Lionel Belmondo, hymne à la foi
 Grand Prix lycéen des compositeurs 2005 :
Pascal Dusapin

 Grand Prix lycéen des compositeurs 2005 :
François Sarhan

 Grand Prix lycéen des compositeurs 2005 :
Philippe Hersant, le choix des professeurs

 L'aventure Sketch. 1er épisode…
 L'aventue Sketch, 3e épisode, l'après…
 Yves Rousseau, la plume et l’archet
 “Erewohn” de Hugues Dufourt
 Le jazz en son éternel recommencement
 Les Allumés du Jazz, n°9
 Jean-Marie Machado, lettres portugaises
 Jean-Luc Cappozzo, la pêche miraculeuse
 Bojan Z fait le pont à Brooklyn…
 Louis Sclavis a réponse à tout
 Une édition des écrits d'Hugues Dufourt
 ONJ Daniel Yvinec. Le casting
 Gérard Grisey : Ecrits ou l’invention de la musique spectrale
 3 questions à Benoît Thiebergien
 Les structures standard
 Vincent Mascart, artiste multipiste
 Temps-danse groove
 Laurence Equilbey, le chœur en solo
 Thierry Escaich, variation sur une basse obstinée
 Philippe Hersant, l'harmonie avant tout
 Serge Adam, brass electro
 Franck Ténot, celui qui aimait le jazz
 François Corneloup, la musique à l'usure
 Les Allumés du Jazz, n°10
 Les dix ans de l'Ensemble Télémaque
 Issam Krimi. Portrait d'un passionné du silence
 Olivier Greif, Chants de l'âme
 Henri Texier passe à table
 Questions & Verdict : Franck Vaillant
 Quatre questions à Daniel Yvinec
 Claudia Solal : Room Service
 Hugues Dufourt, Prix Charles Cros pour Erewohn
 “Wu Xing” de Qigang Chen, un voyage à travers la nature.
 La Lettre du Musicien donne la parole aux élèves pour le Grand Prix lycéen des compositeurs 2004
 Lionel Belmondo, une passion française
 Grand Prix lycéen des compositeurs. Proles de lycéens sur Crwth de F. Sarhan
 Stephan Oliva en six coïncidences
 Jean-Philippe Viret, la basse au centre
 Martial Solal, éloge de la surprise
 Les voix invisibles de Qigang Chen
 Henri Dutilleux, mystère de l'instant
 L'ONJ voyage en ballon
 Les lycéens parlent d'Outre-Mémoire de Thierry Pécou
 Les lycéens s'expriment sur Voire(x) de P. Leroux
 Grand Prix lycéen des compositeurs. Régis Campo, le choix des professeurs
 Grand Prix lycéen des compositeurs 2006. Connesson, choix des lycéens
 Édith Canat de Chizy témoigne, carrière artistique et enseignement
 Jean-Luc Cappozzo, « J'assume la totalité de mon histoire »
 Sylvia Versini, pianiste et arrangeuse
 Andy Emler, cinq CD pour l'île déserte
 Bojan Z, le xénophile et le xénophone
 Solistes et Chœur de Lyon-Bernard Tétu
 Pascal Dusapin poursuivi par les feux de l'opéra
 Grand Prix lycéen des compositeurs 2003
 Lucas Belvaux et Riccardo Del Fra, le principe du jazz
 Riccardo Del Fra, Éloge de l'inquiétude
 Daniel Humair, une batterie de questions
 Bruno Angelini, un portrait
 Entretien avec Thierry Pécou
 Guillaume Connesson, Et la lumière fuse
 David Chevallier, une rencontre
 Sophie Alour, saxophoniste : ma vie, mes oeuvres
 Thomas Savy, portrait
 Tweedle-Dee
 Alain Gibert, l'enfant oublié
 Michaël Levinas : La Métamorphose
 Michaël Levinas : Quand les hommes ont le cafard
 Un Pedron peut en cacher un autre
 Raulin / Oliva : le débat
 Stéphan Oliva, le ciné-fils
 Grand Prix Lycéen des Compositeurs 2015
 Löhrer, retour au Jazz
 Philippe Le Baraillec : Le retour d'un poète
 Bernard Cavanna "Grand Prix de la musique symphonique"
 Une journée d'études
 Alain Bancquart a 80 ans
 Édith Canat de Chizy récompensée par l'Académie Charles Cros 2015
 Philippe Leroux récompensé par l'Académie Charles Cros 2015
 Grand Prix Lycéen des Compositeurs 2017
 Thierry Pécou, Grand Prix SACEM 2016 de la musique symphonique (carrière)


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Grand Prix lycéen des compositeurs 2006. Connesson, choix des lycéens

    La Lettre du Musicien, mars 2006, n° 325

À une très large majorité, les élèves ont choisi cette année le Double Quatuor de Guillaume Connesson, œuvre dite néotonale, au dynamisme joyeux. « Horreur ! » s’écrieront certains puristes. Mais nos lycéens n’ont que faire des étiquettes, puisque c’est Oltra mar de Kaija Saariaho, pièce dite spectrale, qui arrive très nettement en deuxième position. Un signe évident de joyeuse liberté. Analyse d’un succès.

Voici un succès incontestable, impressionnant par son ampleur et qui va encore faire grincer des dents. En effet, comme presque chaque année depuis la création du Grand Prix, les lycéens ont récompensé une partition que l’on peut qualifier grosso modo de néotonale, c’est-à-dire, toujours grosso modo, ne s’inscrivant pas dans un langage musical qui refuse les repères aisés d’« écoutabilité ». On peut dire tout ce que l’on voudra, arguer de l’inculture musicale de la jeunesse (pauvre monde !), de l’immaturité des auditeurs (forcément, un lycéen est toujours jeune !), c’est ainsi. Après toutes ces années, c’est une tendance lourde du goût des lycéens inscrits en option Musique ! Et après ?
Il faut d’abord remarquer une chose, c’est que la musique de Guillaume Connesson, et, au-delà, tout ce courant, existe, dans sa variété (il n’y a pas grand chose de commun entre le style de Connesson et ceux de Florentz ou de Bacri, les deux précédents lauréats). On le joue. Il a ses grandes entrées à Présences, le festival de musique contemporaine de Radio France, et ailleurs, un peu partout dans le monde. C’est désormais un fait « incontournable » que les historiens de la musique du futur devront répertorier comme un signe du tournant du troisième millénaire. C’est un fait culturel qui a également une valeur polémique. Un Guillaume Connesson ne s’est pas imposé sans problème dans le petit univers de la musique contemporaine. Il a défendu ses arguments, illustrés par ses œuvres. Les adversaires n’ont pas manqué et ne manqueront pas (que l’on se rappelle les vives polémiques qui ont entouré la publication de l’essai de Benoît Duteurtre, Requiem pour une avant-garde, récemment réédité), ce qui est finalement assez sain.
Il faudra que l’on nous explique sérieusement ce qui s’est passé. Ce n’est pas une question de réaction – au sens politique du terme. Cela n’a rien à voir, au contraire de ce qu’a pu supposer un excellent esprit, ni avec la mondialisation néolibérale ni avec l’action du ministre de l’Intérieur. On peut plutôt supposer qu’après des décennies d’expériences de rupture tous azimuts, qui ont eu leur justification et leur utilité, on se préoccupe d’autres catégories esthétiques, notamment de confort sonore, de lisibilité et de communication. Le roman a suivi la même voie. Même les avant-gardistes Éditions de Minuit ont pris ce virage. Jean Echenoz ou Christian Oster sont plus lisibles que Claude Simon ou Robert Pinget.
Pour autant, il ne faudrait pas croire que la musique de Guillaume Connesson, et particulièrement le Double Quatuor qui nous occupe, se réduise aux seules notions de « retour à la tonalité » ou de pulsation. D’abord, c’est une musique qui ne sort pas de nulle part. On pourrait y repérer des paternités, des influences, le Stravinsky de la période néoclassique, le Poulenc de l’entre-deux-guerres, les répétitifs américains (mais avec un caractère moins obsessionnel) et même, pourquoi pas, les nombreux divertissements et autres sérénades de l’époque rococo. On peut aussi y entendre la voix de l’époque, une certaine marque de la « techno ». Mais notre compositeur est personnel. Il creuse son sillon, il s’approche peu à peu de ce qu’il veut dire, qui est à la fois nouveau (sans qu’il éprouve une nécessité d’innover à tout prix) et personnel. Avec tous les ingrédients dont il dispose, il compose une palette personnelle, très reconnaissable. Si certains ont pu se donner l’air compliqué en étant au fond assez simples, il atteint une certaine simplicité et engendre un confort réel d’écoute, de l’humour, de l’agrément, avec des moyens sophistiqués.
Dans le Double Quatuor (vents contre cordes, vents avec cordes), au-delà de la vigoureuse pulsation qui fait que l’œuvre semble marcher, emportée par un élan irrésistible, les changements de climat harmonique, les variations de la texture sonore sont extrêmement subtils, mais en même temps parfaitement lisibles. Et puis – last but not least, et c’est ce qui a pu séduire nos lycéens –, voilà une pièce résolument optimiste et primesautière. Cocteau se méfiait de la musique que l’on écoute la tête entre les mains ; ce n’est sûrement pas le cas du Double Quatuor, qui dégage un dynamisme joyeux, au contraire de tant de partitions manquant absolument de scherzando.

 
Rencontre avec Guillaume Connesson
Rythme, énergie, excitation, influence certaine des musiques actuelles, jusqu’à la techno, mais aussi, un caractère de peur, d’angoisse, qui fait penser à des images de films (le célèbre Psychose de Hitchcock est cité plusieurs fois…), bref, comme le dit un lycéen, « on ne se repose jamais ! » Le Double Quatuor de Guillaume Connesson correspond à tout ce que nos lycéens apprécient.

La Lettre du musicien. Si vous deviez décrire votre musique à quelqu’un qui n’aurait jamais entendu une note de vous ?
Guillaume Connesson. On peut discerner deux axes principaux dans ma musique, me semble-t-il, l’énergie et le lyrisme, autrement dit la danse et le chant. L’énergie se traduit souvent par une pulsation rythmique, particulièrement sensible dès mes premières œuvres, et en particulier dans le Double Quatuor. Le lyrisme, par une recherche de l’intériorité et d’une caractérisation mélodique de plus en plus sensible dans mes œuvres récentes.

La Lettre du musicien. Comment êtes-vous venu à la composition ?
Guillaume Connesson. J’ai commencé à composer vers 9 ans, un an après avoir débuté mes études de piano. À cette époque, j’imitais ce que je connaissais, ce que je jouais au piano. Pendant une dizaine d’années, j’ai beaucoup écrit, mais je n’ai rien conservé de cette période qui était un temps de formation technique. Je n’ai pas eu à proprement parler de professeur de composition. La personnalité de Marcel Landowski m’a beaucoup marqué, mais plus d’un point de vue humain que de celui de la technique de la composition. Je crois que cet aspect-là ne l’intéressait pas beaucoup. En revanche, nous avons beaucoup parlé littérature, philosophie et art. Le métier, je l’ai travaillé plus profondément avec Jean-François Zygel, qui est un extraordinaire musicien et une personnalité très marquante.
Le Double Quatuor a été composé en 1993, c’est en quelque sorte mon opus 1, la première de mes œuvres que je revendique vraiment. Au cours de mon adolescence, j’avais été particulièrement marqué par Messiaen, Penderecki et John Adams, dont certaines œuvres comme Nixon in China, The Chairman Dances ou Harmonielehre m’ont fasciné. On retrouve d’ailleurs cette influence américaine dans des œuvres comme le Double Quatuor. J’ai aussi beaucoup étudié les grands compositeurs de l’avant-garde officielle comme Stockhausen, Berio ou Boulez, mais ce courant, qui a longtemps occupé une position dominante dans les institutions en Europe, m’a toujours paru problématique par son manque de réussite expressive : un discours musical se résumant bien souvent à des gestes instrumentaux au mieux décoratifs, au pire confus et sans caractérisation. En musique, la dialectique entre le prévisible et l’imprévisible est une source d’expression indispensable au langage, et c’est sa véritable complexité et sa richesse. Dans une certaine avant-garde officielle, l’accumulation de complexité de surface aboutit au contraire à une perception incroyablement primitive du discours musical.

La Lettre du musicien. On sent que chez vous le polémiste n’est jamais loin !
Guillaume Connesson. Mais non ! Le débat esthétique reste pour moi passionnant seulement s’il ne devient pas un prétexte aux luttes de pouvoir et d’argent. De toute manière, une fois seul face à sa page blanche, c’est seulement l’éclosion de son monde intérieur qui importe. On n’écrit pas de la musique pour ou contre quelque chose !

La Lettre du musicien. Les musiques « contemporaines » atonales et radicales ont pourtant eu leur justification.
Guillaume Connesson. En effet, la guerre a provoqué une déflagration dans la culture – et pas seulement dans la musique. Une partie du monde musical a mis du temps à s’en remettre. Vous connaissez le mot de Debussy à propos de Wagner : « Un crépuscule qu’on a pris pour une aurore. » La musique de l’école de Vienne et ses différents héritages ont prolongé ce crépuscule et l’on a voulu l’imposer comme la seule modernité possible, au mépris d’autres tendances contemporaines, venues de partout. L’école de Vienne était un des chemins, mais ce n’était pas le seul. Encore aujourd’hui, de jeunes compositeurs assument cet héritage, parfois avec talent. Pendant longtemps, et notamment en France où les institutions culturelles sont centralisées, la musique issue de ce courant a exercé une sorte de terrorisme intellectuel, mais tout cela s’atténue aujourd’hui. Après tout, les faits sont têtus, l’immense majorité de la musique d’avant-garde radicale de l’après-guerre et des années 50-60 a sombré et n’est pratiquement plus programmée. Quels compositeurs ayant créé après la guerre sont régulièrement joués au niveau international ? Chostakovitch, Bernstein, Britten, le dernier Poulenc, Dutilleux, Messiaen, c’est-à-dire ceux qui, de diverses manières, ont conservé des liens forts avec la tradition musicale tonale et composé un discours lisible et expressif.

La Lettre du musicien. Au début du XXIe siècle, quelle vous semble être la situation de la création musicale ?
Guillaume Connesson. Voilà une question embarrassante. Si vous aviez posé la même question à un compositeur de 1906, aurait-il cité les compositeurs de l’époque qui se sont vraiment imposés ? Ce qui est sûr, c’est que notre époque est marquée par une extrême diversité. Il me semble que de nombreux compositeurs actuels cherchent à intégrer certaines données de l’avant-garde des dernières décennies à des langages tonals très libres, le danger étant un « polystylisme » parfois artificiel. Mais c’est peut-être dans ce creuset que des partitions marquantes se feront. Nous vivons une époque de synthèse et beaucoup recherchent une sorte de troisième voie. Autre point important, le compositeur actuel est traversé, parfois même de manière involontaire, par la rumeur du monde, les musiques de tous les continents, les musiques pop dans leur diversité. Il me semble impossible de se boucher les oreilles et d’ignorer cet environnement sonore. En tout cas, l’idée que la modernité se doit d’être pure, vierge de toute influence, totalement autonome, n’est plus d’actualité. Nous sommes faits d’une quantité d’influences, nous possédons une quantité de goûts et cela joue sur notre perception et notre création. D’une certaine manière, la situation est inversée par rapport à celle de l’immédiat après-guerre.

La Lettre du musicien. À l’occasion du Grand Prix 2006, vous avez rencontré des lycéens. Comment avez-vous vécu ces rencontres ?
Guillaume Connesson. Cela m’a paru très intéressant dans la mesure où c’est un public que je rencontre rarement. J’ai été très agréablement surpris par leur ouverture d’esprit, leur curiosité, par la pertinence et l’acuité de leurs questions. J’ai été heureux qu’ils aient bien perçu la joie et l’énergie qui s’exprime dans le Double Quatuor. En revanche, je suis un peu inquiet de leur absence de familiarité avec l’univers de la musique savante en général, qui trahit l’éternel problème, souvent dénoncé, de l’éducation musicale à l’école.


 
Guillaume Connesson, une biographie…
Né en 1970, Guillaume Connesson a étudié le piano, l’histoire de la musique, l’analyse et la direction de chœur au CNR de Boulogne-Billancourt, ainsi que l’orchestration au Conservatoire de Paris. Parallèlement à ses études, il a pris conseil auprès de Marcel Landowski. Il est actuellement professeur d’orchestration au CNR d’Aubervilliers.

Des commandes ont été à l’origine de la plupart de ses œuvres, comme l’Aurore (Orchestre national d’Île-de-France, 1999), vaste fresque orchestrale pour accompagner le film muet de Murnau, Supernova (Orchestre philharmonique de Montpellier, 1997) ou, plus récemment, Les Enluminures (Orchestre philharmonique de Radio France, 2000). En 1998, il obtient le Prix Cardin de l’Institut de Francepour Supernova et, en 1999, le Prix Nadia-et-Lili-Boulanger. En 2000, il obtient le Prix de la Sace>. Il a été en résidence auprès de l’Orchestre national des Pays-de-la-Loire, pour lequel il a écrit une symphonie vocale créée en novembre 2000 à Radio France.

Guillaume Connesson est l’un des jeunes compositeurs les plus doués à l’heure actuelle. Ses œuvres ont été très vite appréciées des mélomanes et des interprètes, des Fêtes du solstice pour orchestre, jouées au Théâtre des Champs-Élysées en 1992, au Night-Club (1996), pour lequel il a été nommé aux Victoires de la Musique.

Son oreille sûre, son sens de la forme et de l’orchestre se sont d’abord développés auprès des meilleurs maîtres, qu’il a côtoyés dès son plus jeune âge, grâce aux disques et aux partitions. Ainsi, Couperin, Wagner, Strauss, Debussy, Ravel, Stravinsky, le Messiaen de la Turangalîla-Symphonie et de Saint François d’Assise, le Dutilleux des Métaboles, mais aussi Steve Reich et surtout John Adams, ont été ses maîtres.
Grégoire Hetzel (avec l’aimable autorisation de Musique nouvelle en liberté)

 

Nous remercions La Lettre du musicien pour son aimable autorisation. Toute reproduction à partir de ce site, autre qu’à usage strictement personnel, est interdite sans accord préalable avec la revue.

 

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